• Jason Kao Hwang

    En la sociedad actual nos toca vivir tiempos de extrema dureza. Los centros hegemónicos de poder, a partir de múltiples mecanismos emparentados con la llamada globalización, han sembrado de contrasentidos nuestra realidad. Los adelantos en las comunicaciones, en la electrónica y la cibernética conviven al mismo momento con el avasallamiento de los derechos de las minorías, la pobreza generada por la injusta distribución de la riqueza y el sistemático relegamiento de valores esenciales como la equidad, la solidaridad y la generosidad.
    Sin embargo, existen polos de resistencia que albergan esa enorme diversidad biológica y cultural que subyace en la vida misma.
    Tal vez el arte sea el campo más adecuado para que germine la esperanza que alienta esa resistencia; y quizás el artista sea el vehículo idóneo para unificar los conceptos fundamentales que nos conduzcan a soñar, pensar y diseñar un mundo mejor.
    Claro que no todos los artistas tienen la claridad de conceptos, la voluntad, el compromiso y el talento necesarios para lograrlo. No hay que preocuparse por ello. No hacen falta muchos, sólo los suficientes.
    Por un sinnúmero de razones que usted mismo sabrá deducir o irá descubriendo, en esa lista podemos incluir a Jason Kao Hwang.

    Jason Kao Hwang es un violinista, violista, compositor y educador de ascendencia china, nacido en la ciudad de Waukegan, Illinois.
    Su versatilidad le ha permitido abarcar un amplio abanico de estilos musicales con epicentro en el jazz, la música improvisada, la world music y la nueva música creativa. Hwang, con justicia, ha logrado convertirse a través de los años en uno de los emergentes más representativos del movimiento cultural asiático-estadounidense.
    En su extensa trayectoria ha trabajado con músicos de la talla de Anthony Braxton, Butch Morris, Reggie Workman, Henry Threadgill, William Parker, Vladimir Tarasov, Sirone, Francis Wong, Tatsu Aoki, Dr. Makanda Ken MacIntyre, Pheeroan Aklaff y William Hookerf, entre otros.
    En los ochenta integró el cuarteto Commitment junto a Will Connell, Jr., William Parker y Zen Matsuura. En 1990, con su trío, grabó Unfolding Stone. En la década de los 90's constituyó su ensamble The Far East Side Band con el que editaría dos álbumes: Caverns en 1994 y Urban Archaeology en 1996.
    Por comisión de Meet the Composer, en el 2005 presentó su primer ópera de cámara: The Floting Box, A Story in Chinatown. Trabajo que fuera incluido por la prestigiosa Opera News como uno de los diez mejores discos de ópera de ese año.
    Otro de sus proyectos musicales es el dúo que compone con Sang Won-Park; de esa asociación surgió el álbum Local Lingo de 2007.

    En la actualidad, el cuerpo principal de su obra lo ocupa EDGE, cuarteto que integra junto al contrabajista Ken Feliano, Taylor Ho Bynum en corneta y Andrew Drury en batería. El debut discográfico de este proyecto cooperativo se produjo en el 2006 y llevó por título el nombre de la banda. Su segundo trabajo, Stories Before Within, fue editado en el presente año.
    Hwang, además, integra el proyecto colectivo Graphic Evidence junto al saxofonista Francis Wong y el bajista Tatsu Aoki, ha hecho música de cámara como Bending Duration, Breathing Distance e Interior Migrations y también música para instrumentos caseros en Flight of Whispers. Trabajó para la compañía de danza Nai-Ni Chen en Unbroken Thread y Wake Up Call, fue co-arreglador de la versión de M Butterfly ofrecida en Broadway y aportó sus composiciones para el cine y la televisión.
    Jason Kao Hwang ha recibido el apoyo de diversas instituciones: Meet the Composer, National Endowment for the Arts, New York State Council on the Arts, New Jersey State Council on the Arts, Rockefeller Foundation, New York Community Trust, Mary Flager Cary Charitable Trust, etc.
    Como educador ha impartido clases en diferentes niveles. Enseñó música asiático-estadounidense, curso que él mismo creó para el Departamento de Análisis Social y Cultural de la Universidad de New York, además de otras actividades pedagógicas que incluyen clases en el Westminster College y el Brooklyn College.
    Quisimos entrevistarlo. Aceptó. Le hicimos preguntas. Respondió.
    Y sus respuestas fueron tan profundas e interesantes como su música.
    En definitiva, Jason Kao Hwang es esa clase de personas que, como decíamos al principio, nos pueden ayudar a soñar, pensar y diseñar un mundo mejor. Aprovéchelo…

    Creo que un buen punto de inicio es hablar sobre tu último álbum. Sin temor a equivocarme puedo asegurar que Stories Before Within representa una imponente colisión de influencias interculturales que no sólo se circunscriben a géneros específicos sino que, a su vez, expresan un montón de “voces” musicales provenientes de distintas regiones…

    Las influencias interculturales emergen de un flujo constante entre el inconsciente y la consciencia. Es decir que los gestos instintivos inherentes a la historia personal interactúan con la auto-percepción intelectual. Esta química constituye una delicada senda cuyo proceso dinámico involucra a cada uno de los miembros del cuarteto y fluye en nuestro dialogo colectivo. Las composiciones alientan a que cada uno se exprese sin limitaciones.

    Me pregunto si podríamos profundizar en la génesis del álbum…

    La génesis del CD… (hace una pausa) La primera decisión, para un compositor de música improvisada, es la elección de los músicos. Realmente, me encanta la forma de tocar de Andrew (Drury), Taylor (Ho Bynum) y Ken (Feliano). Ellos también son compositores en sus propias bandas, por lo tanto sus conocimientos y experiencias enriquecen a mi música. El álbum no fue concebido como una suite. Las composiciones fueron creadas una por vez, pero cada una de ellas conduce a la siguiente. EDGE estuvo tocando esta música en clubes de New York y en breves giras a lo largo de la costa este estadounidense antes de la grabación.

    Las composición en Stories Before Within involucran bastantes más colores y texturas que melodías y cambios. Eso brinda la sensación de que la música es más visual que auditiva. ¿Cómo lograste esa representación?

    Tus percepciones son apreciadas, gracias. Melodía, cambios de acordes y grooves son elementos de color y textura o bien podés considerarlos como herramientas que motivan el desarrollo de color y textura. La música es como un cristal polifacético que, mediante el uso de esas herramientas, permite que la composición se transforme como si viéramos la música a través de una dispersión óptica generada por un efecto de reflexión o refracción. En las melodías intento destilar el “mensaje” en su esencia más pura. Como si quisiéramos volver a escucharlo y en diferentes maneras. Queremos liberar esa energía potencial que contiene. El desarrollo interpretativo, en cambio, es usualmente más complejo ya que tiene más notas y contra-ritmos, lo cual provee un contraste ante la simplicidad del núcleo melódico.

    EDGE es realmente un gran grupo e intuyo que ya lo sabés (risas). Cada miembro parece estar en perfecta sintonía con los otros o, al menos, tanto como una banda puede permitirse sin que se manifieste “demasiado sensible” a la interacción. Así que voy a preguntarte sobre los músicos que la integran, cómo lograste reunirlos y si al momento de convocarlos intuías los resultados obtenidos…

    Muchas gracias. Estoy bendecido por el arte y la amistad de estos tres buenos tipos. Con Andrew Drury me encontré en el ensayo de una banda liderada por el saxofonista David Bindman y el trombonista Jeff Hoyer. Más tarde invité a Andrew (Drury) a sumarse a mi cuarteto, que por aquellos tiempos era la Far East Side Band (Joe Daley en tuba, Sang-Won Park en kayagum y ajeng) Por eso, cuando constituí EDGE, de inmediato pensé en él. Andrew es muy calificado, su nivel de exploración en la batería es único y contribuye poderosamente al imaginario musical que podés escuchar en la banda. Ken Feliano se presentó a sí mismo después de un set que hice con The Gift, grupo liderado por el baterista William Hooker y el trompetista Roy Campbell. A veces yo tocaba “bajo” a través de un pedal de octavas. Por supuesto… cuando Ken (Feliano) vino a completar lo que yo estaba haciendo en bajo, mi cabeza se acercó a las nubes porque sabía de su reputación. Ken es un autorizado virtuoso con un comprensivo sentimiento por mi música y con la capacidad de imaginar adónde se puede viajar con ella. Con él (refiriéndose a Ken Feliano) después tocamos también en un grupo liderado por el cellista de Boston, Jeff Song. Taylor (Ho Bynum) tiene una voz genuina en la corneta; su lenguaje dinámico e instintivo ensamble, hacen una poderosa contribución a EDGE. Para tocar música como un ensamble, cada uno tiene que saber cuándo debe conducir y poner en marcha las ideas o cuándo tiene que seguir para apoyar. Esas micro-decisiones a menudo son sólo fracciones de segundo dentro de las improvisaciones. Con el paso de los años y en la medida que hemos llegado a conocernos mejor, nuestro lenguaje colectivo se ha ido desarrollando.

    ¿De dónde provienen esos conceptos?

    Muchas de esas ideas acerca de cómo una banda trabaja e interactúa, provienen de la tradición y las aprendí del compositor Will Connell, Jr., en su ensamble Commitment a fines de los setenta. William Parker en bajo y Zen Matsuura en batería también fueron parte de esa banda.

    Experimento sensaciones muy cinematográficas con tu música. Si pudieras llamar a un director de cine para que coloque tu música en imágenes… ¿Qué te gustaría ver en ellas?

    A veces, cuando compongo, hay sentimientos provenientes de momentos específicos de mi vida que motivan el proceso creativo. En otras ocasiones, pienso en cada instrumento como un personaje viviente que experimenta una transformación dentro de la narrativa de la composición. A menudo, estas imágenes iniciales son transitorias y no vuelvo a pensar en ellas nunca más. La música no tiene una intencionalidad programática, a pesar que los títulos impliquen una imagen y que estas imágenes ya han sido creadas. La música tiene su propia vida y lenguaje.

    Cuando uno toca jazz, la fuerza real proviene de la puesta en marcha de ideas y conceptos o, por decirlo de otra manera, de la inspiración en comunión con las emociones e imágenes musicales representadas. Sólo quiero saber si ustedes como músicos están involucrados deliberadamente en atravesar aquello que divide ideas e imágenes, conceptos y realización, pensamiento y acción…

    Sí, sin duda esos elementos están presentes al tocar. Supongo que la improvisación musical es extraordinariamente compleja, pero los músicos no suelen pensar en ese sentido. Simplemente nos esforzamos por sentirnos bien cuando tocamos. Practicamos y estudiamos para acceder a esos sentimientos. Pero, para ser sincero, bien puedo relacionarme con tu descripción. La música es una expresión lineal y una meditación que atraviesa esa división que mencionabas entre “ideas e imágenes, conceptos y realización, pensamiento y acción.”

    ¿Cómo creés que la música que tocás afecta el entorno social?

    No importa el género, cuando escucho buena música de otros también me siento inspirado a alcanzar mi propio potencial humano. Siempre me reconforta oír las afirmaciones del alma. Por lo tanto, espero que EDGE ofrezca esa inspiración a los demás en cualquier grado que seamos capaces de hacerlo. Espero que EDGE inspire a los oyentes, sean músicos o no, a encontrar su propia voz y a compartir sus propias historias. Espero que nuestra música inspire a otros a tener música en sus vidas, ayudándoles a saber cómo escuchar, apoyar y poner en marcha esa inspiración con respeto y pasión. Como un emergente del movimiento asiático-estadounidense, también espero servir de inspiración a los jóvenes artistas que integran ese movimiento para afirmar su identidad y para que trabajen en pos de su potencial.

    Estoy interesado en conocer la relación que tenés con tu discografía. ¿Considerás que tus álbumes son piezas, documentación de piezas o ambas?

    Las considero documentaciones de piezas que están vivas y continúan evolucionando. En todo caso el acto de grabación, aunque no es definitivo, me motiva a seguir adelante para crear nuevas obras.

    Ya que lo mencionás, tratemos entonces de enfocarnos en el acto de la creación. ¿Cuál es tu proceso de composición?

    A menudo compongo en el violín o la viola. Para explorar ideas armónicas recurro al piano. Como a veces encuentro irritante la vibración del monitor de la computadora, decido apagarla y trabajo con lápiz y papel. En otras ocasiones ingresaré notas directamente en el Finale (Finale es un software especifico para partituras creado por la firma MakeMusic). Debido a que mis habilidades en el piano son limitadas, a veces testeo la música a través de un “playback midi” vía Finale o a través de un secuenciador Digital Performer. Mi borrador inicial a menudo necesita ser editado, durante y después del primer ensayo. A veces, durante la edición, escucho algo que necesita más trabajo o que debe cortarse. En otros casos, algunos de los miembros de la banda hace alguna atinada sugerencia. Con el ajetreo y el bullicio de la vida en New York, la mayoría de las bandas no tienen más de dos ensayos antes de un concierto. Usualmente, uno solo. Y a veces… ¡ninguno! (exclama). Con EDGE nunca me sentí restringido en ese aspecto. Cada uno, en EDGE, tiene suficiente experiencia; así que, rápidamente, alcanzamos la sensación apropiada del lugar al que estamos yendo con un nuevo trabajo. El ensayo es lo que nos da lo principal para la ejecución.

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