Songlines Recordings 2017
Harris Eisenstadt: Recent Developments
Dálava: The Book of Transfigurations
Gordon Grdina / François Houle / Kenton Loewen / Benoît Delbecq: Ghost Light
Simon Millerd: Lessons and Fairytales
La vida de cada hombre influye en la vida de todos los hombres y cada relato es fragmento de un gran relato, el relato de la historia de la humanidad (Stephen Vizinczey)
En la mitología aborigen australiana “El tiempo del Sueño” (Tjukurpa en lengua anangu o Dreamtime en inglés) es un conjunto de leyendas atemporales que constituyen el ancestral ideario de los pueblos originarios de Australia. En ellas aparecen dictaminadas sus relaciones con el entorno natural, las normas que rigen el comportamiento social y se inmortalizan las enseñanzas de los seres totémicos espirituales que crearon el mundo.
En la iconografía cultural de los nativos australianos, se hablaba de la existencia de caminos o senderos sagrados que servían para transmitir la voz del creador y las leyes tribales mediante cantos, relatos y danzas a las que llamaban “líneas de canciones” o song lines.
Esa idea de viaje iniciático de la narrativa musical a través de caminos imaginarios es, justamente, lo que dio origen a la denominación de la discográfica canadiense Songlines Recordings.
La propuesta de este sello establecido en la ciudad de Vancouver en 1992, se ha caracterizado por ocupar el amplio espacio que constituye la nueva música creativa, alentando la singular convergencia entre jazz moderno y avant-jazz con elementos provenientes de la música clásica contemporánea, el rock o múltiples tradiciones musicales (que van desde el acervo cultural arábigo al gamelán javanés y de la música persa al folclore del este europeo).
En sus veinticinco años de vida, Songlines Recordings ha desarrollado un fecundo catálogo que incluye -además de músicos emergentes en ascenso- a figuras de la talla de Benoît Delbecq, Wayne Horvitz, Robin Holcomb, Theo Bleckmann, Dave Douglas, Han Bennink, Misha Mengelberg, Samuel Blaser, Chris Speed, Michael Blake, Tony Malaby, Jerry Granelli, Ellery Eskelin, Gary Peacock, Paul Motian y Marty Ehrlich, entre muchos otros.
A continuación, ofrecemos un breve repaso de cuatro de las ediciones que integraron el ecléctico catálogo de Songlines Recordings en 2017.
Harris Eisenstadt: Recent Developments
Introduction, Prologue, Part 1, Interlude (group 1), Part 2, Interlude (quartet), Part 3, Interlude (duo), Part 4, Interlude (group 2), Part 5, Interlude (duo), Part 6, Epilogue
Músicos:
Harris Eisenstadt: batería
Anna Webber: flauta
Sara Schoenbeck: fagot
Nate Wooley: trompeta
Jeb Bishop: trombón
Dan Peck: tuba
Brandon Seabrook: banjo
Hank Roberts: cello
Eivind Opsvik: contrabajo
Sello y año: Songlines Recordings, 2017
Calificación: Dame dos
En el actual imaginario estético elaborado por el formidable compositor y baterista canadiense Harris Eisenstadt, conviven el liderazgo del consolidado Canada Day (agrupación que completan Nate Wooley, Matt Bauder, Chris Dingman y Pascal Niggenkemper, cuya discografía incluye a los álbumes Canada Day I de 2009, Canada Day II en 2011, Canada Day III y Canada Day Octet de 2012 y Canada Day IV en 2015), el cuarteto Old Growth Forest (secundado por Jeb Bishop, Tony Malaby y Jason Roebke) y el proyecto en noneto que motiva esta reseña: Recent Developments.
Los postulados musicales pergeñados por Eisenstadt para esta nuevo emprendimiento toman como fuente de inspiración al libro de Jane Jacobs La muerte y la vida de las grandes ciudades estadounidenses (en donde la autora aporta ideas transformadoras acerca del planeamiento urbano y advierte que el desarrollo de las ciudades capitalistas tiende a romper los lazos comunitarios del vecindario tradicional), elementos narrativos extractados de la serie The Sopranos creada por David Chase y la singularidad de los tapices artesanales en el estilo de Beni-Ourain elaborados por los bereberes marroquíes, en cuyos diseños confluyen la simplicidad, el minimalismo y la complejidad textural.
Recent Developments comprende una suite en catorce partes -compuesta de seis secciones de conjunto y ocho transiciones instantáneas en distintos formatos– en la que Eisenstadt adosa, a su meticulosa estrategia composicional, elementos heredados de John Zorn (atención microscópica a los detalles, capacidad para desarrollar ideas narrativas en formato de miniaturas, etc.), el contenido lirismo de Dave Douglas y la vitalidad rítmica e inusuales instrumentaciones que distinguen la incomparable obra de Henry Threadgill.
El resultado de la personal trama conceptual tejida por Harris Eisenstadt, deriva en un álbum de temperamento austero a todos los niveles formales y temáticos, exquisito en términos melódicos y armónicos e interpretado de manera superlativa por un ensamble que reúne a algunas de las figuras más representativas de la música creativa contemporánea.
Dálava: The Book of Transfigurations
Ej, na tej skale vysokej / Seven pairs of eagles, Dyby ňa moja maměnka stará / Grass, Dyž sem já šel pres hory / The rocks began to crumble, Co ste si mamičko za dům stavjat dali / Iron bars, iron lock, Vyletěla holubička / The bloody wall, Sem chaso spěchajte / You used to look like a lion, Před naším je zahrádečka / Red violet, Studená rosenka / Souling, Na strážnickém rynku / War, Vydala máti / Mother gave away her daughter, Okolo Hradišča voděnka teče / He’s bringing something for me, Fašanku / Carnival, Pásl Jano koně / Sell us your shirt
Músicos:
Julia Ulehla: voz
Aram Bajakian: guitarra acústica, guitarra eléctrica, batería, percusión
Peggy Lee: cello
Tyson Naylor: piano, acordeón, teclados
Colin Cowan: contrabajo, bajo eléctrico
Dylan van der Schyff: batería, percusión
Sello y año: Songlines Recordings, 2017
Calificación: Dame dos
Dálava es un proyecto de inusuales características que reúne a la vocalista, actriz y etnomusicóloga estadounidense de ascendencia checa Julia Ulehla con el destacado guitarrista neoyorquino Aram Bajakian (Abraxas, Frank London’s House Glass Orchestra, Aram Bajakian’s Kef, John Zorn, Lou Reed, etc.).
El núcleo de la propuesta encabezada por Ulehla y Bajakian aspira a rendir homenaje al folclore tradicional de Moravia –una de las tres regiones históricas que componen la Republica Checa– desde una renovada perspectiva musical que conjunta influencias provenientes del jazz de vanguardia y el post-rock.
El elogiado debut discográfico de Dálava se produjo en 2014 con el álbum del mismo nombre, en aquella oportunidad presentando una formación de quinteto integrada por sus líderes en voz y guitarra, Shanir Blumenkranz en bajo y los violinistas Tom Swafford y Skye Steel. Ahora con The Book of Transfigurations, su segunda entrega, el dúo presenta una alineación conformada por algunos de los improvisadores más renombrados de la avanzada musical de la ciudad de Vancouver, tales como la cellista Peggy Lee, el tecladista Tyson Naylor, el bajista Colin Cowan y el baterista Dylan van der Schyff.
El álbum cristaliza un alegato multicultural pero también multi-generacional, ya que está inspirado en melodías provenientes del acervo folclórico moravo, oportunamente recopiladas y transcriptas por el bisabuelo de Julia Ulehla, el Dr. Vladimir Ulehla.
Las canciones comprendidas en este trabajo ofician a manera de fabulas o narraciones alegóricas sobre temas universales como el amor, la muerte y la relación del hombre con la naturaleza, creando un inclasificable e hipnótico mundo sonoro en donde se amalgama lo atávico con la exploración de nuevos territorios musicales, la liturgia con lo lúdico y el respeto a las tradiciones con lo rupturista.
Dálava con su segundo álbum, el fascinante The Book of Transfigurations, confirma la originalidad y audacia de una propuesta sin precedentes en el ámbito de la música creativa del siglo XXI.
Gordon Grdina / François Houle / Kenton Loewen / Benoît Delbecq: Ghost Light
Soro, Ley MusicLand, Gold Spheres, Broken World, Ghost Lights, Soft Shadows, Waraba
Músicos:
Gordon Grdina: guitarra, laúd, electrónicos
François Houle: clarinete, electrónicos, loopers
Kenton Loewen: batería, percusión
Benoît Delbecq: piano, bass station
Sello y año: Songlines Recordings, 2017
Calificación: Está muy bien
El álbum Ghost Light materializa la presentación en sociedad del colectivo conformado por cuatro experimentados improvisadores: el guitarrista y ejecutante de laúd Gordon Grdina (Gordon Grdina Quartet, Haram, Peregrine Falls), el clarinetista François Houle (François Houle & Psithurism Trio, Sea and Sky, François Houle 5), el baterista Kenton Loewen (Dan Mangan and Blacksmith, Peregrine Falls, Haram) y el pianista Benoît Delbecq (Manasonics, Plug and Play, Benoît Delbecq And Fred Hersch Double Trio).
En este nuevo proyecto convergen dos alineaciones previas, el trío Grdina / Houle / Loewen constituido en 2014 y el dúo Houle / Delbecq fundado en 1996.
El material comprendido en Ghost Light fue grabado en el Afterlife Studios en julio de 2016 e incluye una pieza con influencias de ritmos tradicionales africanos escrita por François Houle (Soro), un tema con la firma de Benoît Delbecq inspirado en los ataques terroristas acaecidos en París hacia finales de 2015 (Broken World) y cinco composiciones espontáneas colectivas (Ley MusicLand, Gold Spheres, Ghost Lights, Soft Shadows y Waraba) desde donde irá aflorando de manera cohesiva y con sutil distanciamiento, un espacioso paisaje sonoro que abreva en las fuentes de la improvisación libre, la electrónica y la música experimental.
Ese particular entramado será subrayado por una acendrada labor por parte del cuarteto en la que se conjugan los autorizados aportes de François Houle en clarinete y electrónicos, las imaginativas intervenciones –alternando guitarra eléctrica, laúd y electrónicos- de Gordon Grdina, el reconocido bagaje pianístico y la inhabitual sonoridad del bass station (sintetizador análogo con dos osciladores fabricado por la casa Novation a principios de los noventa) ofrecidos por Benoît Delbecq y la aplomada contribución de Kenton Loewen en batería y percusión.
En síntesis: el álbum Ghost Light testimonia –en forma cabal y con indisimulable solvencia– el tránsito de un cuarteto colectivo de primer nivel por territorios poco explorados de la música improvisada contemporánea.
Simon Millerd: Lessons and Fairytales
Looking Back, ACIM Lesson 39 (My Holiness is My Salvation), ACIM Lesson 70 (My Salvation Comes from Me), The Unwinding Road, Wherever You Are, Quiet Now, Montreal March, Gnome Home, The Tale of Jonas and the Dragon
Músicos:
Simon Millerd: trompeta, sintetizador
Pablo Held: piano, sintetizador
Robert Landfermann: bajo
Jonas Burgwinkel: batería
Músicos Invitados:
Jacob Wiens: guitarra
Emma Frank: voz
Mike Bjella: saxo tenor
Ted Crosby: clarinete bajo, clarinete
Sello y año: Songlines Recordings, 2017
Calificación: Está más que bien
El joven trompetista y compositor canadiense Simon Millerd acredita una vasta experiencia musical que incluye contribuciones a favor del pianista alemán Pablo Held, la European Jazz Orchestra y el Emma Frank Quintet y la participación en los ensambles Nomad (sexteto que completan Mike Bjella, Ben Dwyer, Ted Crosby, Kai Basanta y Jake Wiens), Chronicle Infinitas, Kalmunity y el Isis Giraldo Poetry Project. Millerd, además, grabó con Nomad (el EP Nomad de 2013 y los álbumes Groundless de 2014 y As We Are en 2015), Chronicle Infinitas (Into the Light de 2015), Mathew Daher (en el EP de 2015 Dwelling Lightheartdly in The Futility of Everything), Isis Geraldo (Naturaleza en 2013 y Padre de 2015) y en el colectivo Reynolds Good Millerd Fapojuwo con From Day to Day de 2015.
Simon Millerd, en su debut como líder con el álbum Lessons and Fairytales, es asistido por miembros del Pablo Held Trio (Pablo Held en piano y sintetizador, Robert Landfermann en bajo y Jonas Burgwinkel en batería) más el agregado en carácter de invitados de Emma Frank en voz y tres de los integrantes del sexteto Nomad (Jacob Wiens en guitarra, Mike Bjella en saxo tenor y Ted Crosby en clarinete bajo y clarinete).
El material propuesto por Millerd –que acepta influencias de John Coltrane, Wayne Shorter, Skuli Sverrisson y Arve Henriksen- comprenderá los lánguidos trazos que dibuja Looking Back, la introspectiva espiritualidad de ACIM Lesson 39 (My Holiness is My Salvation), los amplios espacios adjudicados a la improvisación en ACIM Lesson 70 (My Salvation Comes from Me), la delicada aproximación al jazz moderno expresada por The Unwinding Road, el detallado entramado de texturas implícito en Wherever You Are, la melancólica balada Quite Now, el meticuloso tratamiento melódico asignado a Montreal March, las libertades instrumentales que impregnan Gnome Home y la robustez estructural manifestada en The Tale of Jonas and the Dragon.
Simon Millerd ha debutado con un álbum sólido, convincente e irreprochable.
El cruce multicultural, territorial y estilístico que impregna al sobresaliente catálogo de Songlines Recordings, se constituye en metáfora musical de un utópico mundo globalizado en donde las diferentes culturas se encuentran y enriquecen mutuamente sin sacrificar sus tradiciones más profundas.
Lo mejor que el mundo tiene está en los muchos mundos que el mundo contiene, las distintas músicas de la vida, las mil y una maneras de vivir y decir, creer y crear, sufrir y celebrar (Eduardo Galeano)
Sergio Piccirilli
